TOTO NUGROHO

BEGINNER

2011-10-11T10:33:00.000-07:00

Beginner | 140 x 180 cm | aoc | 2011

at "Crop Cyrcle"- Canna Gallery - Jakarta - Indonesia

Curated by : Bambang "Toko" W

Pre GENESIS

2011-10-11T10:22:00.000-07:00

Pre GENESIS | 180x140 | aoc | 2011

at "Homo Ludens#2"- Emmitan CA Gallery - Surabaya - Indonesia

Curated by : Wahyudin

The Art of Toto Nugroho

2010-07-06T20:35:00.000-07:00

Solo Exhibition
"EXPLOITATION"
Emmitan CA Gallery
Jl. Walikota Mustajab 76 Surabaya

“The gap between high and low cultures is now almost gone. In literal sense, a ‘superflat’ culture has emerged.”
—Takashi Murakami in Uta Grosenick (ed.), Art Now, Vol. 2 (2007)

These days, what is called “contemporary art” is actually a matter of possibility of giving meaning to great creative power. This is the reason why some say that “contemporary art” exists in a terra incognita, opened for any way of signification, depending on the viewers.

This is, perhaps, the reason why “contemporary art” cannot be defined perfectly. Some call it as “grass on a piece of land”; some conceive of it as something like “an alternative religion for the atheist” or something like “existential channel through which a meaning is delivered to life: it demands faith to play and it pays its followers with nobility”; some mock it as a vague “status milieu” where hierarchy of popularity is very often against the interest of history—and therefore, there are some who state that contemporary art is not about power, but control. Power may be vulgar. Control is wiser, more able to show the right things—in this case, the works that are really “art” or the ones that are “nonsense.”

Whatever contemporary art is, Indonesian artists have taken it as something like a bridge to creative chance. They have tried to empower the available form, technique, and idea as symbolic capital to create art works dealing with various subjects and discourse.

In the vocabulary of world contemporary art, the empowerment is called appropriation. This term originates from old Latin language, “appropriare”—literally it means “to make it belong to oneself.” It is a general term to describe an artistic process, particularly since 1980s, where drawings as found in the art history, mass media, and advertisements are pulled out of their original context and are re-signified, by among other things giving new meanings.

Similar with the term collage or ready for use, the term appropriation describes a process of appropriation in the production of art by borrowing, quoting, and repeating visual elements from various other artists or from a particular artist in the past. This is the reason why some say—the art critic Douglas Crimp, for example—that an appropriation art work is a postmodern work of art, because appropriating drawings from other sources is against the modernist’s concept of composition, originality, and art autonomy.

Therefore, by accessing images from mass media, the border between art and popular culture, as is the case with the relation between authors and readers or artists and viewers, becomes questioned or is so slippery that it enables a creative process to be done to deal with structure of representation and meaning production.

With this perspective, Toto Nugroho, an Indonesian-Institute-of-Art-graduate artist, has tried to empower fine art, graphic, and comic forms as his visual subject and thought in his solo exhibition called “Exploitation” at Emmitan Contemporary Art Gallery, Surabaya. Here, he shows 14 two-dimension works about famous figures from the world of comic, cartoon serial, and arcade game—in this case, Tarzan by Edgar Rice Burroughs (an adventure story published in serial form in a news paper in 1912 with illustration by Hal Foster), The Simpson by Matt Groening (TV cartoon serial presented for the first time by Fox Broadcasting Company in 1989), Asterix by Rene Goscinny and Albert Uderso (an adventure comic published for the first time in the magazine Pilote on October 29, 1959), Mario Bros by Shigeru Miyamoto and Gunpei Yokoi (an arcade game published for the first time by Nintendo in 1983), and The Fantastic Four by Stan Lee and Jack Kirby (a super hero comic published for the first time by Marvel Comics in November 1961).

Toto Nugroho creates those figures with his skill of graphic art technique, and then spontaneously presents them as imagery rhetoric with his mastery of painting technique—with acrylic and canvas as the material base. With all of this, Toto Nugroho’s works showed in this exhibition have escaped from normal aesthetic categories of fine art and at the same time tried to celebrate the meaning of mass culture or the parade of symbols of popular culture that have shaped the image, behavior, standard, and goals of urban society.

At this point, it is no exaggeration to say that Toto Nugroho has performed what an appropriation is supposed to be in this solo exhibition—and therefore we can position him as a young post modernist artist in the world of Indonesian contemporary art. As a post modernist artist, he has performed what is called by the anthropologist Claude Levi-Strauss as bricolage—that is, creating two-dimension works from material at hand or from available material—in this case, symbols of popular culture in comics.

Therefore, we see in his works what is called by Julia Kristeva as intertextuality—that is, interconnectedness of various visual texts taken from other artist to be neutralized on a canvas. Here, the figures transposition each other in a scene (event, activity, scenery) that constitutes a potential world that is discontinued but that has been in purpose built by Toto Nugroho for the audience or viewers who want seek for meanings.

At this point, I remember Roland Barthes. In Image-Music-Text (1977), this French philosopher says, “the discontinuous world of symbols plunges into the story of the denoted scene as though into a lustral bath of innocent.”

With what I remember about Roland Barthes, I want kind viewers to have a look at Toto Nugroho’s works in this exhibition. Nevertheless, I have to say here that it is far from my intention to influence viewers in proceeding their impression and judgment upon forms, techniques, and ideas in the works of the artist who was born in Wonogiri, Central Java, in 1980. As far as I know, every viewer can develop some dialogue with any work of art he/she is viewing—Toto Nugroho’s works are no exception.

One thing I can say here is that the genetic process of Toto Nugroho’s works is epistemologically, in a sense introduced by postmodernists, much influenced by historical context where the work is produced and reproduced. With this epistemology, Toto Nugroho experiences the moment when the border between high art and low art, between high culture and mass culture, is not stable. He has tried to express this experience in his creative process, especially the one he has done for this exhibition.

It is, therefore, understandable when we see in his latest works, graphic and comic arts—that have already been branded as low art—and painting—that has been branded as high art—can transposition each other “in harmony” in tens of his canvas. All this has enabled him to celebrate freedom of expression without necessarily being bothered by such thing as composition, autonomy, and originality in art.

Reinterpreting the Pieces

“Bad artists borrow, good artists steal.”
—T.S. Elliot via Clifford Geertz, Islam Observed: Religious Development in Morocco and Indonesia (1968; I made a little change on the quotation, replacing the word “poet” with “artist”)

With this quotation I want to emphasize what I have discussed earlier about the sociological context of contemporary art, in which Toto Nugroho exist with his creative process of a bricoleur: a craftsman or a man who works with material at hand to make something, who does a tinkering of used stuffs to produce material that will be used once and that will be thrown away after that.

Working this way, Toto Nugroho in “Reinterpreted Snag” looks so free to interconnect Tarzan-Jean, Homer-Bart Simpson, Asterix, Luigi and Mario Bros so as to reinterpret the meaning of pieces in comic. This sentence, I think, can also apply well to—among others, “Jealous” where Asterix, Bart Simpson, and Invisible Woman are made present; “Formality” that brings together Jean and Asterix; and “The Gendong” that describes intimate scene of Tarzan and Jean in front of Asterix.

“It turns out that in those pieces imagination can rise, like moats in comic—juxtaposition is there,” said Toto Nugroho to me in a cyber conversation on the last 26th of May.

This fact, it can be said, has brought him to what Milan Kundera calls “Unknown realm of comic” or the key visual strategy in comic, that is, “another world”—a discontinued world, like pages in news paper—that enable us to reach at meanings or just smile while reflecting on a canvas. This “another world” can be found in—among others “Rayuan,” “Kangen,” “First Kiss,” “Berdebar,” “Lebih Cantik Kalau Marah,” and “Pseudo Dialogue.”

In those works, there is—to paraphrase the words of Roland Barthes (1977)—a mass communication that combine the charm of natural matters—they are, story, diegesis (history or narrated event), sintagma—with cultural wisdom summarized in several discontinued symbols, then Toto Nugroho will “shorten” them in the form of intimate daily expression or dialogue.

Therefore, we can say, the works in this exhibition, such as “Lucu...!!!” and “Who’s Lurking,” are—to borrow Umberto Eco’s term—transgression moment that enables us to be subversive against everyday reality that is full of rules and prohibitions. Here we are encouraged, for instance, to laugh at the behavior and life style of middle class and urban people as reflected by the satiric parody of the Simpsons. Do not hesitate, because we are “the rulers” who have absolute right to spy their life, including the love adventure of Tarzan and Jean. It is optional to us—and therefore, we do not need to worry when we find a gorilla—in “Inscription of Ape”—standing lonely with sour face. This is because we soon—in “Dialogue—can hear intimate dialogue between a human and a gorilla like a conversation between a mother and son:

Peek-a-boo!

Once upon a time, there was a MOAT, noticed by Scott McCloud as “playing important role in creating MAGIC and MYSTERY that become the HEART of a COMIC .” How can it be? Of course it can be, but depending much on our support and contribution as audience—which is called by Scott McCloud as “HENCHMAN”, who is MUTE: equally-leveled partners in the adventure, crime, and joke.

In his own way, as I have said earlier, Toto Nugroho digs a moat that plays an important role in creating magic and mystery that become the heart of his works showed in this exhibition—i.e. stealing, tinkering, and designing a particular artistic practice to corrupt the narrations of popular culture, done with real exploitation and creative power, to enable us receive and celebrate—to paraphrase again the words of Roland Barthes (1977)—a visual enjoyment that has been very often exchanged between people of different—even contradicting—cultures.

In his own way, too, Toto has corrupted popular culture so as to empower it as painting, comic, and drawing or anything that has been played with pastiche and repetition in a particular aesthetic strategy and artistic practice that asserts that the low status of the works of mass culture has contributed to -if not has defined- the temporariness of today’s Indonesian contemporary art. (Curated by : Wahyudin)

REUNIAN

2010-04-15T02:16:00.000-07:00

New Ripple

2010-01-14T17:47:00.000-08:00

"New Ripple" at Emmitan CA Gallery, Surabaya

"New Ripple" at Emmitan CA Gallery, Surabaya

Woodcut Footprint ( without a press) #4

2009-10-08T22:57:00.000-07:00

Artistic by : Toto Nugroho

Woodcut Footprint ( without a press)#3

2009-07-16T23:25:00.000-07:00

Artistic by : Yudha Sandy

anjingbabi#2

2009-07-16T23:03:00.000-07:00

we’re all millionaires

2009-06-15T15:05:00.000-07:00

doc. by Ade Sulistioputra "We’re All Millionaires" is a group show of contemporary artworks that are to be sold for 1 Million Rupiah. The exhibition concept aims to poke fun at the cultural misconceptions of the term “millionaire”, and address the oddities of art economics and ownership status.

Woodcut Footprint ( without a press)#2

2009-06-15T14:28:00.000-07:00

The art works I printed in paper, not more than 17". Print works at 2008.

"Angelic Smile"

"Dream Hunters"

"Notonogoro"

"Alien"

How to contact Elvira ?

2009-06-15T13:20:00.000-07:00

How to contact Elvira ? | aerosols, puzzle spoonge | @ 30cmx30cm

“Ligerious de Equipje”, Universidad de Castilla La Mancha, Cuenca, Spanyol, trip exhibition, Spain-Indonesia.

Object

2009-06-04T09:52:00.000-07:00

Object of Angelic Smile (Animalistic Series)
Single Set (on Progres) | Resin, chromed iron | 2009
feat Andry Aditya

Animalistic Series

2009-03-31T04:06:00.000-07:00

As Trapped (Animalistic Series) | 200 x 150 cm | aoc | 2009

Blended (Animalistic Series) | 200 x 150 cm | aoc | 2008

Man said to be full human beings when he has a human nature (characters of human). In this art work is to see in themselves, and human nature is still mixed with the other, the animals.

Blind Daughter

2009-02-25T02:47:00.000-08:00

Blind Daughter | 145 x 135 cm | Acrilic on Canvas | 2008

Notonogoro Series

2009-02-13T13:22:00.000-08:00

Notonogoro#1 | 140 x 150 cm | Acrilic on canvas | 2009

feat : I Wayan Upadana and Rifqi Sukma

Notonogoro#2 | 130 x 110 cm | Acrilic on canvas | 2009
feat : Rifqi Sukma

This is the form the results of discussions with friends who are featuring in this art works. About legend of the Notonogoro (Java Legend). The sign of her figure leaders who will bring the nation forward, even that will be the lighthouse of the world.

(Exhibited in "BOHEMIAN CARNIVAL", National Gallery Jakarta)

Stencyl Art

2009-02-10T11:57:00.000-08:00

Welcome, Stencil on Board, 2008

2009-02-10T11:54:00.000-08:00

Created, Stencil on Board, 2008

2009-02-10T11:49:00.001-08:00

Untitled, Stencyl on Canvas, 2008

Delete your self !!! Did you??

Woodcut Footprint ( without a press)

2009-01-15T10:52:00.000-08:00

There are a lot of print work from 2004. I only present some examples of woodcut footprint.
The art works I printed in a size small, not more than 12".

Pull, Woodcut on paper, 2006

Payah, Woodcut on paper, 2005

Untitled, Woodcut on paper, 2005

Embrio of Oddo#2, Woodcut on paper, 2005

Embrio of Oddo#1, Woodcut on paper, 2005

Headache Series, Woodcut on paper, 2005

Headache Series, Woodcut on paper, 2005
Collected Rr. Pramudita Laksmiyanti

What Wrong's with My Shield, Woodcut on paper, 2004

PASUKAN BUMI ART PROJECT

2009-01-10T15:22:00.000-08:00

Private Invasion Objects

Saya dengar nama Pasukan Bumi ini dari Toto, salah satu personelnya. Waktu dengar pertama memang agak aneh, kedengaran mirip Laskar Pelangi yang waktu itu masih belum populer. Atau kelompok ekstrim pecinta alam yang bekerja membela bumi mati-matian.. Kelompok seni rupa kok namanya Pasukan Bumi. Apalagi ketika Toto mengutarakan idenya untuk mengajak dua 'kubu' seniman muda dari Bandung dan Jogjakarta dalam kelompok ini. Wah, ini pasti tidak akan jauh-jauh dari 'isu urban', secara mereka memang anak-anak muda. Saya menduga pasti akan jauh melenceng dari nama Pasukan Bumi yang lebih mirip nama kelompok pecinta alam itu.

Terus saya bertemu dengan Toto, Rifqi, dan Wayan, sebagai anggota Pasukan Bumi yang berdomisili di Jogja. Konsep awal mereka, mereka mempunyai beberapa seni rupa berjenis 'objek' dan beberapa rancangan karya seni rupa yang di luar kebiasaan mereka. Dengan materi ini, mereka ingin mengerjakan sebuah projek yang berbeda dengan kebiasaan mereka. Lalu kami membicarakan kemungkinan mereka membuat projek di luar ruang. Tentu saja, projek ini akan bersinggungan dengan ruang-ruang terbuka yang diakses oleh siapa saja (ruang publik). Dengan ini, materi yang akan mereka bawa, akan mengalami interaksi dan respon apapun dari para pengguna ruang terbuka yang lain, seperti pejalan kaki, pengendara motor, dan sebagainya. Ini yang kemudian kami diskusikan. Saya melihat tidak ada kaitam langsung projek ini dengan isu-isu lingkungan kontemporer, seperti global warming dan semacamnya, tapi ya tetap saja ada urusannya dengan lingkungan. Mereka mempunyai cara sendiri untuk melihat isu lingkungan dengan kacamata mereka sebagai anak muda yang tumbuh dan bekerja di kota semacam Bandung dan Jogja ini. Lama-lama saya merasa nama ini cukup unik juga untuk melihat kelompok ini dan respon mereka terhadap isu lingkungan. Mereka adalah anak-anak muda yang dibesarkan dalam lingkungan akademik kampus setelah angakatn 98 yang bertensi politik tinggi. Dalam generasi mereka, isu-isu besar tidak lagi ditanggapi dengan kemarahan dan kekerasan, tetapi ditanggapi dengan melihat apa yang dekat dengan keseharian mereka. Untuk itu, saya merasa perlu untuk melihat materi karya awal mereka yang diajukan dalam proposal projek ini.

Kami lalu melihat bersama materi karya-karya yang sudah ada. Kelompok ini unik karena mereka hanya berdiskusi via online dengan para teman-temannya di Bandung. Dan konon, sebelumnya mereka belum bertatap muka secara langsung. Tentunya dengan kondisi seperti itu, karakter kelompok ini tidak bisa disatukan begitu saja dengan gagasan yang tertentu. Setelah cukup lama berdiskusi, saya melihat ada satu hal yang sama yang coba mereka utarakan dalam bentuk-bentuk karya mereka. Yaitu penggunaan benda-benda domestik ataupun citra-citranya. Dari benda-benda yang biasanya berada di dekat kita secara pribadi, seperti remote kontrol, bath tub, lemari es, gaun, telepon, dan bulu, akan dibawa ke ruang publik. Ide seseprti itu pulalah yang kebanyakan lagi mereka asyiki saat ini. Jadilah sebuah projek yang dinamai “Invasi Objek Privat”. Projek ini dilangsungkan di Jogja dan juga Bandung. Di Jogja mereka melakukan serangkaian program, mulai dari launching acara di IVAA, presentasi, dan dilanjutkan dengan menyatroni ruang-ruang publik di beberapa titik di Jogjakarta.

Proses membawa karya ke publik menjadi cukup 'aneh' untuk sebuah acara seni rupa luar ruang. Mereka tidak dalam tatacara mengerjakan patung publik (walaupun kebanyakan karya mereka tiga dimensional). Apalagi kalau dibandingkan dengan patung-patung pahlawan yang menghiasi tempat-tempat utama di kota-kota besar kita. Tidak ada pretensi yang semacam itu, misalnya monumental atau secara gigantis menyentak padangan mata pengguna jalan. Karya-karya mereka berupa objek-objek kecil dan sedang (yang terbesar paling-paling dua meteran), dan secara bobot sangat ringan dan kadang-kadang membutuhkan interaksi dengan penggunanya untuk dikenali keberadaannya.

Ini yang kemudian sempat dikhawatirkan oleh kurator seni Suwarno Wisetrotomo yang menjadi pembuka launching projek ini. Beliau mengkhawatirkan ke'efektif'an karya-karya ini ketika berada dalam luar ruang (atau ruang publik). Jangan sampai karya-karya itu hanya memindahkan sebuah karya dari dalam galeri ke luar ruangan, demikian wejangannya kala itu.

Dari sinilah, justru pandangan itu diabaikan sama sekali oleh anak-anak muda ini. Mereka bukanlah sekelompok seniman yang concern secara khusus pada seni ruang publik. Di karya-karya ini, mereka melakukan eksperimen menghadirkan karya dalam habitat yang tidak sewajarnya, misalnya membawa pesawat telepon ke sebuah lapangan. Atau memakai pakaian berbentuk remote kontrol di trotoar. Atau sebentuk patung burung onta berkaki manusia di alun-alun. Kemudian yang mereka kejar adalah reaksi dan respon dari masyarakat lain pengguna ruang-ruang itu.

Mereka tidak mempersolkan secara serius problem display sebagaimana karya-karya luar ruang konvensional. Apakah nyambung dengan lingkungan sekitar atau tidak itu nomer kesekian. Bagi kelompok ini, karya seni menjadi ibarat manusia pengguna ruang publik, yang bisa masuk dan keluar dari ruang itu dengan sesukanya, walaupun ada syarat-syarat dan aturan-aturan tertentu di masing-masing ruang. (salah satunya mereka alami ketika akan membawa sebuah patungnya ke dalam bus TransJogja, mereka mendapat larangan dari sopir bus tersebut). Mereka menenteng karya-karya itu ke beberapa titik di seantero kota Jogja. Karya-karya itu menjadi karya-karya yang mobil, dan bercengkerama dengan masing-masing pengguna ruang publik. Reaksi itulah yang kemudian mereka dokumentasikan dalam karya-karya berikutnya.

Projek pameran ini adalah salah satu rangkaian kelanjutan dari seluruh projek Invasi Objek Privat. Mereka kemudian mengembalikan karya-karya itu ke 'kandangn'ya di sebuah galeri seni (Roomate). Projek pameran ini sekaligus report dan dokumentasi kerja lapangan mereka dalam sebuah presentasi seni rupa. Untuk itu, dalam pameran ini mereka menyertakan tinggalan jejak dari apa yang mereka bawa ke ruang publik. Dokumentasi foto, lukisan, jejak-jejak karya, bekas-bekas respon publik, mereka pajang dalam ruang galeri. Di samping itu, karya-karya baru juga ditampilkan sebagai laporan apa yang kemudian mereka rasakan dan alami ketika mereka menghadirkan karya-karya mereka di luar ruang.

Rain Rosidi

(Yogyakarta, 30 December 2008)

http://www.kr.co.id/web/detail.php?sid=188010&actmenu=40

(Art Work)

"Up to the Master's House"
pine wood l 12 pieces l 30 x 25 x 35 cm l 2009

Play It (No Play, No Game)

2009-01-06T23:56:00.000-08:00

PRIVATE X PUBLIC, PERSONAL X PUBLIC

Semangat untuk mendekatkan jarak antara seni dan masyarakat sudah dimulai sejak tahun 1960an di Amerika. Semangat ini dipicu oleh gerakan postmodern pada saat itu yang merupakan sebuah manifestasi kritik terhadap apa yang selama ini dipercayai dalam modernisme atau lebih spesifik seni modern yaitu seni yang otonom dan memiliki nilai orisinalitas. Seni modern akhirnya dinilai sebagai seni yang elite yang terpisah dari masyarakat. Seniman diposisikan sebagai seseorang yang seolah terpisah dari tanggung jawab terhadap lingkungan masyarakatnya. Satu kecenderungan yang kuat pada tahun-tahun tersebut adalah dekonstruksi terhadap apa yang selama ini dipercayai oleh modernisme. Berkembang semacam semangat untuk mendekatkan atau menghilangkan jarak antara apa yang disebut ‘fine’ – sesuatu yang halus, tinggi, merupakan konsumsi intelektual hanya bagi beberapa orang dari golongan tertentu saja, dengan apa yang disebut ‘vernacular’ atau sesuatu yang biasa, hal yang sehari-hari. Sebuah semangat untuk menghilangkan jarak antara seni yang ‘tinggi’ dan seni yang ‘rendah’, untuk menolak bahwa seni memiliki nilai kebenaran yang intrinsik dan substansial, bahwa keindahan adalah sesuatu yang esensial bagi seni.

Postmodernisme percaya bahwa seni memiliki nilainya karena sebuah konstruksi.

Ia dapat bernilai bergantung pada bagaimana dan dimana ia ditempatkan. Salah satu yang karya yang cukup fenomenal pada saat itu adalah “Brillo Box” karya Andy Warhol, dibuat dan dipamerkan tahun 1964. “Brillo Box” merupakan apropriasi bentuk kemasan produk alat pembersih yang dibuat untuk membersihkan perangkat aluminium. Terbuat dari plywoodBrillo” yang dicetak dengan teknik silkscreen. “Brillo” sendiri merupakan nama dari produk tersebut. Tahun tersebut sulit bagi kebanyakan orang untuk menerima itu sebagai sebuah karya seni. Karya ini menjadi semacam pintu bagi pemikiran-pemikiran lebih lanjut tentang tentang makna dan nilai sebuah karya seni, bagaimana sebuah objek dapat memiliki status karya seni (work of art). Pop art saat itu telah mencairkan batasan tentang apa yang bisa diterima sebagai benda seni dan non-seni yang dalam wacana seni rupa kontemporer dikenal dengan istilah “anything goes”. Dalam seni rupa kontemporer atau bisa dikatakan seni yang ada saat ini pada masa sekarang, merupakan sebuah objek kontingen. Artinya adalah dia dapat memiliki makna berdasarkan sebuah konstruksi tertentu. Maksud dari kontingen dapat diartikan bahwa seni baik itu berupa aktivitas atau objek (work of art) dapat mengandung pesan yang tersembunyi atau terselubung (hidden messages) yang membutuhkan sebuah penjelasan atau mediasi. Dalam berbagai bentuk mediasi inilah kita mengenal istilah strategi berkesenian atau politik kesenian atau juga seni yang politis. Politis bukan hanya berarti bahwa seni dapat merepresentasikan isu sosial dan politik, tetapi bahwa seni menjadi sangat politis dalam konstruksi visual yang diciptakan didalamnya, sebuah politik visual. Maka seni menjadi bermakna jika diposisikan atau ditempatkan di dalam suatu kondisi yang tepat, dalam ruang waktu tertentu, dan termasuk juga berhadapan dengan publik yang tepat yaitu publik seni itu sendiri. Dengan demikian menilai dan memaknai seni menuntut perspektif dan cara pandang lain diluar praktek seni itu sendiri. Makna atau nilai dalam seni (value of art) dalam tingkat tertentu dapat menjadi relatif tetapi bukan berarti tidak memiliki nilai. dengan logo “

Menilai keterbacaan teks dalam sebuah karya seni dihadapan publik, bergantung pada konsep yang kita sepakati bersama tentang apakah dan siapakah sebenarnya publik seni. Jika kita menyinggung istilah ‘publik’ dari perspektif yang sangat umum dalam membicarakan seni, saya yakin kita akan dengan sangat mudah kehilangan konteks pembicaraan. ‘Publik’ sering kali adalah sesuatu yang tidak jelas batasannya sama hal nya seperti ketika kita mendengar kata masyarakat. Masyarakat atau publik bisa siapapun dan dimana pun, bahkan dapat terlepas dari konteks ruang dan waktu. Dalam pandangan saya ini sering kali menjadi jebakan ketika seniman atau praktisi seni berusaha untuk menyinggung pesoalan bagaimana seni dapat menjadi dekat dan tidak berjarak dengan masyarakat. Seringkali kita lupa memperhitungkan siapakah masyarakatnya apabila kita berbicara mengenai sebuah praktek seni yang tidak berjarak dengan masyarakat atau publik. Apalagi jika karya seni tersebut dipercaya memiliki pesan bagi masyarakat.

Publik seni dalam hemat saya adalah suatu kelompok yang terbatas tetapi juga terbuka. Terbatas dalam arti bahwa publik seni adalah orang-orang yang telah terlebih dulu memiliki sebuah prakonsepsi atau prakondisi tentang praktek seni itu sendiri, yang tentunya ada dalam berbagai tingkatan. Terbuka, berarti juga bahwa siapapun tanpa terbatas dapat mengapresiasi karya seni atau bahkan menyerap semua kandungan makna yang diikhtiarkan oleh seniman atau praktisinya. Sebuah platform dapat saya katakan, dan sebuah strategi haruslah terlebih dahulu dibangun dan dirancang sebelum pesan dalam karya seni tersebut di-mediasi-kan. Jika tidak, maka seni tetap tidak dapat sepenuhnya menjadi tidak berjarak dengan masyarakat. Ia sebagai sebuah praktek akan tetap memiliki wilayah yang berjarak dengan publik. Hal ini berlaku tentunya pada karya-karya yang besifat ‘eksperimental’ dengan metode dan modus yang tidak lazim dalam konsepsi seni yang sudah mapan. Berbeda halnya ketika kita berhadapan dengan lukisan atau patung tentunya yang sudah lebih dulu dikenal secara mapan sebagai bentuk kesenian.

Tulisan ini dibuat meresponi tema yang digagas oleh sekelompok perupa muda ini, yaitu tentang bagaimana ruang publik menginvasi ruang privat, dan bagaimana bagi mereka seni dapat menjadi sebuah ‘serangan’ balik untuk menginvasi ruang publik tersebut. Sebuah gagasan yang dapat di elaborasi lebih jauh menjadi sebuah proyek kesenian yang menarik, walaupun mereka belum secara spesifik dan tegas menentukan ruang publik seperti apa yang dianggap menginvasi tersebut. Mengingat dewasa ini kita menghadapi sebuah pengertian yang relatif bahkan semu tentang konsep ruang, sesuatu yang privat dan publik.

Dalam suatu masyarakat dimana teknologi informasi merupakan nafas yang menghidupkan dinamika kota, agak sulit mengartikan dan memahami konsep ruang. Pengertian ruang sering tumpang tindih antara ruang fisik dan ruang maya atau virtual. Saat ini konsep ruang secara fisik sudah sedemikian didominasi oleh konsep ruang virtual atau maya. Bagi beberapa oran di kota-kota besar, tampak seperti ruang fisik seolah tidak menjadi sesuatu yang utama lagi. Manusia-manusia kota besar ‘haus’ akan pengalaman ruang dunia maya. Kemampuan teknologi untuk dapat menggandakan citra diri kita berikut ruang tempat kita hidup, membawa kita masuk dalam sebuah dunia simulasi (simulacrum) meminjam istilah Jean Baudrillard.

Simulasi yang mengaburkan pengertian kita akan apa yang nyata dan fantasi, tentang apa itu privat dan publik. Tampak seolah tidak ada lagi perbedaan yang tegas antara privat dan publik. Sesuatu yang bersifat privat atau pribadi bisa disaat yang bersamaan menjadi informasi publik. Kesadaran akan sesuatu yang privat atau personal dan publik sendiri merupakan kesadaran yang muncul dalam hidup orang-orang perkotaan baik itu disadari atau tidak. Kesadaran itu sendiri merefleksikan bagaimana individu dipisahkan dengan kelompok kolektif, subjek dengan objek. Sebuah alienasi dalam tingkat tertentu.

Seni rupa kontemporer sebagai sebuah model representasi merupakan sebuah praktek yang plural. Pluralitas ini membuat seni menjadi sangat menarik karena kapasitasnya untuk dapat merepresentasikan berbagai persoalan hidup. Tetapi tetap hal ini disatu sisi menjadi sebuah tantangan bagi perupa. Ketika perupa dihadapkan dengan sebuah persoalan yang harus dipahami dan juga dengan strategi untuk mengeksekusi gagasan kesenian mereka. Dalam tahun-tahun terakhir seni rupa Indonesia telah banyak diwarnai oleh karya-karya seni yang sarat dengan narasi personal yang bagaimanapun tetap menarik dalam praktek seni. Tetapi hal ini bagi saya dapat dikatakan melemahkan sensibilitas perupa dalam menangkap persoalan disekitar. Sehingga subject matter yang hadir dalam banyak karya sering kali menjadi kurang beragam dan menarik karena melulu menyoal narasi personal. Saya membayangkan seolah perupa berkarya dalam sebuah jarak yang cukup besar dengan lingkungan mereka, tempat dimana terletak berbagai macam subject matter yang menarik itu dibicarakan dalam seni. Dalam beberapa kesempatan perupa menjadi sangat naïf terhadap persoalan yang dihadapi. Seolah tidak banyak hal yang bisa ditampilkan dalam seni, sedangkan pada kenyataannya banyak sekali disekitar kita hal yang dapat menjadi subjek menarik dalam karya.

Persoalan yang diangkat melalui proyek pameran ini sesungguhnya merupakan sesuatu yang menarik sebagai sebuah tema. Tetapi tetap hal ini bergantung pada bagaimana sikap setiap perupa mengeksekusi gagasannya masing-masing. Mencoba untuk menginterpretasi proyek seni ini, bagi saya masih tampak ada jarak yang cukup lebar antara individu perupa dengan persoalan yang dicermati. Jika memang yang ingin disasar adalah kesadaran akan biasnya pengertian tentang apa yang privat dan publik, pesoalan privat dan publik barangkali perlu dibuat sedikir lebih spesifik. Sehingga tanda-tanda yang pada akhirnya dikonstruksi dalam karya tampak terlihat naif, seolah merujuk kepada gagasan atau narasi personal. Tetapi gagasan untuk melakukan proyek seni ini di tempat umum untuk kemudian dipresentasikan dalam sebuah pameran merupakan sesuatu yang menarik. Dengan elaborasi lebih lanjut proyek ini dapat menjadi sebuah proyek site spesifik yang menarik yang jarang kita lihat dilakukan oleh perupa di Indonesia.

Sebagai kesimpulan, berkaitan dengan praktek seni yang plural dimana seharusnya tidak ada jarak antara seni dan masyarakat, dimana apapun dapat menjadi seni dan direpresentasikan melalui seni, maka diperlukan sensibilitas seorang perupa yang kuat dalam memahami dua wilayah yaitu wilayah luar dimana terdapat persoalan dan wilayah dalam dimana perupa bergelut dengan media, startegi dan modus visual. Akhirnya adalah tantangan bagi seorang perupa untuk menjadi seorang observer yang cukup tajam dalam melakukan ‘riset’ untuk memahami persoalan secara mendalam, berikut juga tantangan untuk menemukan bahasa visualnya sendiri terutama saat ini setiap perupa dihadapkan dengan apa yang dapat disebut ‘fashion’ dalam seni rupa kontemporer.

Bandung, 28 December 2008
Guest Writer : Albert Yonathan Setyawan

Play It (No Play, No Game)
Block Board l Digital Print l Vinyl l 2009

at Parangtritis Beach l Yogyakarta l 2008

anjingbabi#1

2008-12-28T10:29:00.000-08:00

at Roommate Open Room’s! JOGJA DEATHMATCH Exhb, Yogyakarta, Indonesia 2008

Anjingbabi (Dogpig), are the animals prohibited to be eaten by muslims. It’s a character elaborated by 3 artists, Fransisco Panca, Yudha Sandy and Toto Nugroho. Anjingbabi is holding fork and spoon on a plate. Done in woodcut on cloth technique, Anjingbabi is a label of merchandise: T-shirts and keychains. Each of the images are printed not more than 6 edition (limited edition).

(Pitra Ayu)

Headache Series

2008-12-16T18:54:00.000-08:00

Headache Series#1 l 90 x 70 cm l Acrilic on Canvas l 2008

Headache Series#2 l 90 x 70 cm l Acrilic on Canvas l 2008

Private Object Invasion l Pasukan Bumi Art Project (2008)

2008-12-16T18:14:00.000-08:00

Private Object Invasion

Background of this art work is talking about the system. Because the poor, strong or whatever is destroyed and what happens at this time closely associated with the so-called relationship with the system. So I try to use a puzzle and knock down the system in this art work. The art work on the launching Project is a stimulant to the art work the next project. It can also shape or material will be changed to something else in accordance with the process of development when the idea was to bring in the public space.

This art project was a process of taking the replica of objects mostly found and used in personal or private spaces to public areas. It was based on the assumption that public areas have been invading private spaces, so the replicas represent the re-invasion from private spaces to public areas. The objects were: remote control, refrigerator, sofa, birdhouse, accessories, telephone, etc.

The project initiated by eight artists that are working separately in Bandung and Yogyakarta, so works were exhibited along several streets in the two cities.

Venue : IVAA l Sanggar Anak Alam l Pasar Ngasem l Jl. Mataram l Jl. Malioboro l Purawisata l Alun Alun Kidul l Parangtritis

(Cozzy, Pitra Ayu)

pisangseger printmakingzine

2006-10-07T17:19:00.000-07:00

pisangseger is s a group consisting alumni of Indonesian Institute of the Art (ISI) Yogyakarta focusing on printmaking as the medium, since works and exhibition of printmaking have not been well informed towards audience of art. In order to socialize printmaking as an applicable medium for artwork creation, pisangseger arrange workshops and publish a zine (pisangseger printmakingzine).

(Pitra Ayu)

Information and Rubbish Robots ; Re-Publik Art (2005)

2005-04-21T16:19:00.000-07:00

Action Re: Public Art

Yogyakarta, 1 - 30 September 2005
StasiunTugu station is less that provide information for visitors who come from out of town. Often confused the passenger to determine the direction or location. Robot-robot that will be placed in strategic locations where this will provide simple information such as location of the toilet, standing position, and so forth. In addition, a statue of a robot is expected to be used as a landmark for the station Tugu Yogyakarta. | Toto Nugroho feat Dani Agus Yuniarto | doc by IVAA

Di Sini Akan Dibangun Mall (2004)

2004-07-08T16:09:00.000-07:00

Action scrutinize and reject the plan development projects 8 mall in Yogyakarta in 2004. Action rejection was made with the Public Art Action titled "Di Sini Akan Dibangun Mall".
(Pitra Ayu)